서로 다른 두 겹의 패턴이 겹쳐질 때,

예상치 못한 떨림의 무늬가 생겨납니다.

관계도 그런 것이 아닐까요?

​

오늘 소개할 전시는

2025년 제주특별자치도 미술대전

대상 수상작가 안소희의 서울 초대전

⟪Moiré, 조용히 바라보기⟫인데요,

​

크게 부각된 눈과 코,

가려진 입, 피아노 위의 잘린 손 조각,

위태롭게 매달린 화분 등

화면 속에 등장하는 익숙한 사물들이

입체적 공간과 평면적 구성이 교차하는 구조 안에

익숙하지 않은 방식으로 배치되어 있는데요,

​

이처럼 오히려 불안을 불러일으키는 상황을 통해

'함께 있음'은 조화로운 일치가 아니라

긴장과 어긋남이 공존하는 상태임을 드러냅니다.

​

연결은 쉬워졌지만 이해는 여전히 어렵고 불완전한 지금,

우리는 어떻게 서로를 이해하고, 함께 존재할 수 있을까요?

어쩌면 하나의 장면을 오래도록 조용히 바라보는 것,

그 속에서 겹침과 어긋남의 순간을 발견하고

타인과의 관계를 마주하는 것일지도 모릅니다.

전시기간

2026.04.29(수) ~ 2026.05.18(월)

전시장소

제주갤러리 | 서울 종로구

관람시간

수 - 월 | 10:00 ~ 19:00

화요일 휴관

관람료

무료

2026년 5월 6일 수요일 저녁 7시, 한강 위 새빛섬 애니버서리 뮤지엄. 서울의 야경이 유리창 너머로 번지던 그 공간에 200여 명의 사람들이 모였다. 화가 김석영(b.1966)의 첫 번째 그림에세이집 『돈키호테 오디세이』(도서출판 더썬)의 출간을 축하하기 위해서였다. 전시와 출판기념회를 동시에 여는, 드문 형식의 저녁이었다.

층고가 높은 뮤지엄 공간에는 김석영 작가의 신작들이 나란히 걸려 있었다. 그의 평생 화두인 말이 강렬한 붉은색과 파란색, 거친 나이프 터치 속에서 돌진하고 있었다. 누군가 "캔버스가 조용히 걸려 있지 않다"고 했다. 무언가를 향해 돌격하는 느낌. 그 표현이 이 날 저녁의 분위기를 가장 정확하게 요약했다.

■ 콜라 한 병에 시작된 그림, 책이 되다

행사의 백미는 김석영 작가 본인의 이야기였다. 그는 거창한 선언 대신 열세 살 소년 시절의 에피소드로 말문을 열었다. 초등학교 미술 특활 선생님이 '한 달 그림을 배우면 콜라 한 병과 모나카를 매일 주겠다'는 제안을 했고—스스로 "거부할 수 없는 마피아식 제안"이라 부른—그 한 달이 평생 그림을 그리는 계기가 됐다고 했다.

"그 대회에서 1등을 했어요. 13살 때나 지금이나 제가 콜라에 장하다는 생각이 드네요." 장내에서 웃음이 터졌다. 그러나 웃음 이면에는, 허황된 동기에서 시작된 예술이 어떻게 수십 년의 진지한 탐구로 이어지는가 하는 묵직한 진실이 담겨 있었다.

책이 탄생한 경위도 솔직하게 털어놓았다. "글을 쓰려고 쓴 게 아닙니다. 그림을 그리기 전, 그리는 도중, 그리고 그 이후에 자신과 나눈 대화들이었습니다." 페이스북에 올려두었던 에세이들이 한국작가후원연대 이상민 이사장의 눈에 들었고, "술 한 잔 사면서 책 내자고 꼬드겼다"는 이사장의 권유에 결국 응했다.

"이 춤이 막춤인 줄 압니다. 하지만 모든 춤의 뿌리가 막춤이고, 자신의 실수와 상처를 솔직하게 인정한다면 누구나 예술을 할 수 있습니다. 저 같은 사람도 책을 썼으니까요."

— 김석영 작가, 출간기념회 인사말에서

■ "이 책을 안 읽으면 그를 모르는 것"—김종근 평론가

첫 번째 축사는 미술평론가 김종근(전혁림 미술상 심사위원장)이 맡았다. 오랫동안 김석영 작가를 지켜봐온 그는 이 책의 추천사에서 이미 화제를 모은 바 있다. "이 책을 읽지 않고 그의 작품을 온전하게 이해하기란 불가능하다. 그래서 이 책을 읽지 않고 작가를 사랑한다거나 안다는 사람들은 거짓말장이거나 배신자이다." 그 발언이 "너무 세다"는 반응을 얻었다고 스스로 웃으면서도, 그것이 진심임을 강조했다.

"말을 잘 그리는 화가는 많습니다. 그러나 검은 말, 빨간 말, 파란 말—말이 가진 모든 감정의 스펙트럼을 표현하는 화가는 드뭅니다. 그것이 김석영의 차이입니다." 쉬베이훙(徐悲鴻)의 말 그림과 비교하면서, 그는 동양의 기(氣)를 현대 표현주의로 번역하는 김석영만의 언어를 짚어냈다. "그 작품의 언어를 완벽히 이해하려면, 이 책 속 심장 소리를 먼저 들어야 한다."

■ "음악도, 그림도 결국 같은 곳을 바라본다"—재즈보컬 웅산의 축사

이날 행사의 예상 밖 화제는 재즈 보컬리스트 웅산의 축사였다. 그는 작가의 작품을 SNS에서 우연히 발견한 뒤 "너무 갖고 싶다"고 올렸다가, 그것을 본 김석영 작가로부터 직접 연락을 받은 인연을 소개했다. "그림을 잘 모르는데, 작품 앞에서 그냥 지나가다 발걸음이 멈췄습니다. 한동안 그 자리에 서 있었어요."

그는 금강경의 구절 '응무소주 이생기심(應無所住 而生其心)'—딱히 머무르는 바 없이 마음 가는 대로 행하라—을 인용하며, "김석영 작가님의 작품과 행보가 그러한 듯하여 마음이 더 가기도 합니다"라고 했다. 음악과 미술이 다른 장르처럼 보이지만 "사실 같은 곳을 바라보고 있다"는 그의 말에 장내가 조용해졌다.

"작가님의 아주 강렬한 색깔들로 표현하는 세상을 더 많이 또 접하고 싶고 더 많은 사람들에게 알리고 싶기도 한데요.
​"

— 웅산(재즈 보컬리스트), 축사 말미에서

■ 공간이 그림을 껴안다—새빛섬에서의 전시

전시를 기획하고 공간을 연출한 새빛섬 애니버서리 뮤지엄 이경진 대표는 "작가님의 출판기념회와 개인전을 동시에 진행하게 되어 개인적으로 너무 뜻깊다"고 밝혔다. 층고가 높은 이 공간은 김석영 작가의 대형 캔버스들을 압도되지 않고 품어냈다. 평택 창고에서 직접 공수해온 조형물도 이 공간에 안성맞춤이었다. "공간과 그림이 너무 잘 맞는다"는 탄성이 여기저기서 터져 나왔다.

이경진 대표는 책의 추천사에서 "인간 존재와 예술의 의미를 되묻게 하는 솔직하고 깊이 있는 생각의 기록"이라고 썼다. 그 공간적 메시지와 텍스트가 이날 한 장소에서 교차했다. 출판기념회가 단순한 책의 론칭 행사가 아니라 작품·공간·사람이 어우러진 하나의 예술적 이벤트가 된 것이다.

■ 200명이 찾은 출판기념회, 그리고 사인회

행사 직후 사인회가 이어졌다. 자리가 부족할 만큼 사람들이 몰렸다. "200명이 넘은 것 같다"는 말이 오갔다. 갤러리스트, 컬렉터, 작가, 음악인, 기업인, 미술 애호가들이 뒤섞인 군상. 사인을 받으러 줄을 선 사람들의 손에는 한결같이 붉은 표지의 책이 들려 있었다. 김석영 작가의 사인은 마치 사인받는 사람의 자화상 같았다. 사인 속 말은 동일한 말이 하나도 없이 모두 다른 말이었다. 그래서 사인 시간과 대기 줄이 길었음에도 작품을 받아가는 설렘으로 가득찼다.

행사를 기획한 이상민 이사장은 "이 책은 작가의 명함"이라고 했다. "2만 2천 원짜리 한 장인데, 그 안에 작품도 들어가 있고 삶도 들어가 있습니다. 이렇게 강력한 명함이 어디 있겠습니까." 그는 이 출판 프로젝트가 한국작가후원연대가 추진하는 예술가 출판 후원 프로그램의 첫 번째 사례임을 밝히며, 앞으로도 매달 새로운 작가 프로젝트를 이어나갈 계획임을 소개했다.

■ 기자의 눈 | 막춤의 미학과 돈키호테의 귀환

이 책의 제목 『돈키호테 오디세이』는 단순한 인문학적 수사가 아니다. 김석영은 실제로 돈키호테처럼 산다. 중국, 모로코, 포르투갈, 크레타를 바이크로, 도보로, 비행기로 가로지르며 그림을 그리고 글을 썼다. 그 글들은 처음부터 독자를 염두에 두지 않았기에 오히려 더 솔직하다. 작업일지이자 여행기이며, 독서 노트이자 자기 고백이다.

한국 화단에서 '화가의 에세이'는 종종 해설과 자기 미화 사이 어딘가에 머문다. 그러나 이 책은 그 함정을 피한다. 그가 쓴 에세이는 그림을 설명하지 않는다. 그것은 그림을 그리기 전의 두려움, 그리는 도중의 회의, 그린 이후의 고요함—그 시간들의 언어적 기록이다. 색과 글이 서로를 반사하는 거울처럼 작동하는 구조다.

이 책을 편집하고 인쇄한 도서출판 더썬은 이 책을 3주 만에 완성했다고 한다. "3주 만에 책을 만들어낸 기적적인 일"이라는 작가의 말에서 이 출판이 하나의 긴박하고 유기적인 과정이었음을 짐작케 한다.

"거인과 맞붙어라(Dare at the giant)." 이상민 이사장이 폐회 인사로 이 문장을 읽었을 때, 장내는 짧은 정적에 빠졌다. 돈키호테의 말이기도 하고, 김석영 작가의 말이기도 하며, 이 책을 손에 든 200명 모두에게 건네는 말이기도 한 문장. 그 정적 속에서 이날의 행사가 완성됐다.

■ 한국작가후원연대(KASC)와 '출판후원프로그램'
이날 행사의 또 다른 주인공은 작가 뒤에 있었다. 행사를 기획하고 사회를 맡은 한국작가후원연대(Korea Artist Sponsor Club, KASC) 이상민 이사장이다. 그는 이 단체를 "예술가의 창작과 발간을 지원하고, 예술이 더 많은 사람들에게 닿을 수 있도록 함께하는" 비영리 단단체라고 소개했다. <통섭미술관기행>의 저자이자 미술인문학자인 그가 주도하는 KASC는, 창작 역량은 있으나 출판·홍보·기획의 진입 장벽 앞에 멈춰 선 예술가들에게 그 장벽을 허물어주는 실질적인 지원을 표방한다.

이번 김석영 작가의 출판이 그 첫 번째 사례였다면, KASC는 이미 매월 다른 작가를 선 보일 준비하고 있다. 이상민 이사장이 공개한 '출판후원프로그램'은 예술가의 글이 담긴 그림에세이 시리즈를 연속 출간하는 프로젝트다. 현재 확정된 라인업을 보면, 시리즈 1번인 김석영의 『돈키호테 오디세이』에 이어 시리즈 2번으로 화가 김선희의 『나의 월든은 그림 속에 있다』, 시리즈 3번으로 김미현 작가, 4번 권순익 작가가 출간을 앞두고 있다.

김선희의 책은 부제 '혼자가 아닌 나를 발견하는 가장 다정한 방법'이 말해주듯, 상실을 견디며 붓을 든 한 사람의 가장 솔직한 이야기다. 출판기념 사인회는 오는 6월 14일(일) 오후 3시 30분, 아트노이드178(성북구 삼선동1가 178)에서 열릴 예정이다. 전시는 6월 11일부터 15일까지 같은 장소에서 진행된다.

이상민 이사장은 이 프로그램의 핵심 철학을 이렇게 설명했다. "책은 작가의 명함입니다. 그림만 그려서는 안 되고, 계속 무언가를 해야 합니다. 출판기념회도, 전시도, 그 모든 것이 작가를 알리는 이벤트가 돼야 합니다. 가수에게 매니지먼트 시스템이 생긴 것처럼, 화가에게도 그런 체계가 필요합니다."

K-팝 아이돌 시스템을 예술 생태계에 적용하겠다는 발상이라고도 읽힌다. 이상민 이사장은 "매달 새로운 작가 프로젝트를 이어갈 것"이라는 청사진을 제시했다. KASC의 출판후원프로그램이 한국 미술 생태계에서 하나의 작은 실험이 될지, 아니면 지속 가능한 새로운 플랫폼이 될지—그 첫 번째 증거가 이날 새빛섬 애니버서리 뮤지엄에 200명이 넘는 사람들로 채워졌다.

[ 책 정보 ] 『돈키호테 오디세이』 김석영 글·그림 | 도서출판 더썬 | 2026년 4월 30일 | 276쪽 | 22,000원 | ISBN 979-11-997103-7-5

[ 전시 정보 ] 새빛섬 애니버서리 뮤지엄 | 서초구 반포동 650 | 전시기간 2026. 4. 22 ~ 5. 28 (전시 연장)

[ 기획 ] 한국작가후원연대(KASC) 이상민 이사장

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이상민 | 수석전문위원 · 미술인문학자
한국작가후원연대(KASC) 이사장 · 통섭미술 비평가

워커힐 빛의 시어터 라운지에서 펼쳐지는 신데렐라의 새로운 이야기

서울 광장동 워커힐 호텔 내 빛의 시어터 라운지. 도심의 소음과 속도로부터 한 발짝 물러선 이 공간에 지금, 조용하지만 단단한 목소리가 울려 퍼지고 있다. 화가 김미현(b.1984)의 개인전 '렘넌트 이즈 오로라(Remnant is Aurora)'가 그것이다.

전시 제목을 처음 들었을 때 적잖이 당혹스러울 수 있다. 렘넌트(Remnant)는 '나머지', '찌꺼기', '버려진 것'을 뜻하는 단어다. 그런데 그것이 오로라(Aurora)라니. 극지에서 피어오르는 저 황홀한 빛이, 버려진 것들로부터 온다는 선언. 이 역설 안에 이번 전시의 모든 것이 담겨 있다.

"속도가 앗아간 것들을 돌려주는 화가"

전시장을 처음 마주하는 순간, 철학자 폴 비릴리오가 제시한 개념 하나가 떠올랐다. 피크노랩시(Pyknolepsy) — 속도가 너무 빨라 의식이 일시적으로 끊어지는 상태를 일컫는 말이다. 달리는 기차 안에서 창밖을 바라볼 때, 우리는 사실 아무것도 제대로 보지 못한다. 이미지들이 너무 빠르게 스쳐 지나가기 때문이다.

오늘날 릴스와 쇼츠로 대표되는 초고속 미디어 환경이 정확히 그렇다. 우리는 하루에도 수천 장의 이미지를 소비하지만, 그중 진정으로 '본' 것이 얼마나 될까. 김미현은 바로 그 '놓친 것들'을 붙잡는 화가다. 속도가 앗아간 잔상(afterimage)들을 캔버스 위에 소환하는 것 — 그것이 이 작가가 동시대 미술에서 갖는 독보적인 좌표다.

신데렐라는 유리구두를 신지 않았다

이번 전시의 중심에는 김미현 특유의 신데렐라 시리즈가 있다. 그러나 관객이 아는 그 신데렐라가 아니다.

호박 마차 대신 낡은 소형 자동차가 등장하고, 왕자 대신 작고 사랑스러운 오리가 신데렐라의 동반자가 된다. 그리고 마침내 운명의 성(城)에 도착한 신데렐라는 영롱하게 빛나는 유리구두 앞에서 — 잠시 생각에 잠긴다. 그리고 그것을 신지 않기로 선택한다.

기존의 신데렐라 서사는 철저히 수동적이다. 운명이 찾아오기를 기다리고, 주어진 해피엔딩에 순응한다. 그러나 김미현의 신데렐라는 스스로 운전한다. 이정표를 읽고, 방향을 결정하고, 동반자를 선택한다. 통섭미술의 관점에서 이 치환들은 단순한 유머나 패러디가 아니다. 서사 구조 안에 내재된 권력 관계를 해체하고, 주체성을 회복하는 시각적 전략이다.

유리구두 앞에서의 그 침묵이 이 전시의 핵심이다. 주어진 서사를 거부하고 새로운 여정을 택하는 것 — 그것이야말로 렘넌트가 오로라로 거듭나는 결정적 순간이다.

안개, 경계 없음의 미학

전시장을 천천히 걷다 보면 한 가지 공통된 감각이 관객을 사로잡는다. 모든 것이 선명하지 않다는 것. 인물의 윤곽은 배경 속으로 스며들고, 색채는 번지며, 화면 전체가 마치 오래된 폴라로이드 사진처럼 아련하게 바래 있다.

이것은 실력의 문제가 아니다. 의도된 세계관이다.

홍익대학교 회화과 석사 출신인 김미현은 사실적 묘사를 충분히 구사할 수 있는 화가다. 그러나 그는 의도적으로 경계를 지우고, 윤곽을 흐린다. 기억은 선명하지 않다. 중요한 순간일수록 오히려 감각적 세부는 흐려지고, 감정의 온도만이 남는다. 사진이 순간을 포착한다면, 김미현의 그림은 순간이 남긴 것을 포착한다.

이것은 비릴리오가 말한 "속도로 인한 이미지의 재편성" 과정을 역방향으로 되감는 작업이다. 빠르게 흘러가는 세계를 붙잡아, 천천히 다시 보게 만드는 것 — "느리게 보기의 강요". 디지털 이미지 과포화의 시대에 아날로그 회화가 존재해야 하는 이유가 바로 여기에 있다.

렘넌트 — 네 가지 남음의 스펙트럼

전시 소개문에는 이런 문구가 있다.

"버려진 자처럼 보였지만, 결국 남은 자, 남을 자, 남는 자, 그리고 남길 자."

이 짧은 문장 안에 이번 전시의 철학이 압축되어 있다. 수동적으로 남겨진 존재에서 시작하여, 능동적으로 역사에 자국을 새기는 존재로 이행하는 — 렘넌트의 진화다.

서양 낭만주의 회화에도 비슷한 멜랑콜리가 있다. 그러나 낭만주의의 그것이 체념과 수동성 위에 서 있다면, 김미현의 렘넌트는 다르다. 그의 신데렐라는 슬프지 않다. 조용하지만 단단하다. 이 '조용한 단단함'이야말로 동시대 한국 여성 서사의 맥락에서 이 작가가 갖는 미덕이다.

완전한 어둠 속에서만 보이는 빛

작가 김미현은 자신의 아티스트 스테이트먼트에서 이렇게 쓴다. "평범함 속에서의 작은 빛은 가치 없어 보일지 모르겠지만 완전한 어둠속에서는 작은 빛조차 찬란하게 빛나듯이, 빛나는 저의 작업을 통해 일상의 어두운 이면에 작은 빛이 되어 잃어버린 길을 찾는 이정표가 되길 소망합니다."

오로라는 아무 데서나 볼 수 없다. 번잡한 도시의 빛 공해 속에서는 보이지 않는다. 충분히 어두운 곳, 충분히 고요한 시간에야 비로소 그 빛이 나타난다.

워커힐 빛의 시어터 라운지라는 공간의 선택은 그래서 의미심장하다. 일상의 속도로부터 한 발짝 벗어난 이 장소에서, 김미현은 관객에게 피크노랩시의 일상으로부터 잠시 빠져나올 것을 요청한다. 그리고 자신이 무심코 흘려보낸 렘넌트들 — 그 찬란한 오로라 — 을 마주하도록 초대한다.

MBN 예술 오디션 프로그램 〈화100〉 출연, 가수 김종서 앨범 커버 선정, SaatchiArt을 통한 국제 컬렉터 확보, Gallery UP(대표 성소윤)와의 전략적인 기획 전시를 이어가는 김미현의 행보는, 이미 그 자체로 렘넌트에서 오로라로의 여정을 증명하고 있다.

버려진 것들이 빛이 된다. 놓친 것들이 남는다. 그리고 그 남은 것들이, 결국 가장 오래 빛난다.

'렘넌트 이즈 오로라'는 워커힐 빛의 시어터 라운지에서 7월 4일까지 진행된다.

이상민 | 수석전문위원 · 미술인문학자
한국작가후원연대(KASC) 이사장 · 통섭미술 비평가

동물 복지·생태 연대의 새 지평을 열다

"아직 숨쉬고 있다는 것, 그것만으로 충분하다" — 멸종위기종부터 실험동물까지, 푸른 빛의 연대

서울 사비나미술관(관장 이명옥)에서 2026년 5월 2일부터 31일까지 열리는 고상우 작가의 개인전 《Still Breathing: 아직 숨쉬고 있다》는 올해 박물관·미술관 주간 공식 선정 전시다. 문화체육관광부 주최, 한국박물관협회와 사비나미술관 공동 주관으로 진행되는 이번 전시는 단순한 동물 소재 미술의 범주를 훌쩍 뛰어넘는다. 상처 입은 동물들의 생존과 존엄을 생태 윤리, 분단 현실, 동물 실험의 문제와 촘촘히 엮어내며 동시대 현대미술이 도달할 수 있는 사회적 발언의 수위를 다시 한번 가늠하게 한다.

"4년 전과 달라진 것" — 멸종에서 생명으로, 개체에서 연대로

고상우는 네거티브 필름 효과와 디지털 페인팅을 결합한 독창적 기법으로 국내외 미술계의 주목을 받아온 작가다. 종(種)의 위기, 생태 파괴, 사회적 소수자의 정체성 등 거시적 동시대 이슈를 다루면서도, 개별 생명이 겪는 구체적 고통과 회복의 가능성을 화면에 응축해왔다.

이번 전시는 그의 전작들과 결을 같이 하면서도 한 층 더 깊은 곳으로 내려간다. 작가는 개막식에서 이렇게 밝혔다.

"4년 전에는 멸종위기 동물을 보호해야 한다는 취지 아래 제가 사랑에 빠진 동물들을 직접 작품으로 만들었다면, 이번 2층에 있는 모든 동물들은 어떤 형태로든 정신적으로나 육체적으로 학대를 받는 존재들입니다. 이번 전시의 주제는 분열된 세상을 하나로 잇는 것이고, 저는 생명에 대한 이야기와 함께 지금 이 시점에서 절실하게 필요한 평화에 대해서도 이야기하고 싶었습니다."

멸종이라는 종(種) 단위의 위기의식에서, 지금 이 순간 숨쉬고 있는 한 생명의 고통과 존엄으로. 주제 의식의 무게중심이 이동했다.

NLL 위의 물범 — 분단이 낳은 역설적 낙원

이번 전시의 가장 강렬한 연작은 점박이물범을 담은 세 점이다. 〈경계선 Borderline〉, 〈국경없는 얼굴들 Borderless Faces〉, 〈내 얼굴을 기억해 Remember My Face〉가 나란히 걸린 전시장은 전체가 깊은 파란빛으로 물든다.

고상우는 지난 2년간 WWF(세계자연기금)와 함께 백령도와 충남 가로림만 일대에서 점박이물범 조사·촬영 프로젝트를 직접 수행했다. 전 세계 1,500마리에 불과하고 천연기념물 제331호이자 멸종위기 야생생물 1급으로 지정된 이 동물을 만나기 위해, 작가는 해군 모니터링 아래 배를 타고 10킬로미터 앞 북한 해역 근처까지 나아갔다.

현장에서 목격한 장면이 작가에게 충격으로 다가왔다.

"왼쪽 끝이 백령도의 끝자락이고, 정면에 보이는 섬이 북한 땅이었어요. 300마리 정도가 물에 떠서 자유롭게 휴식을 취하고 있었습니다. 도대체 지구는 하나였는데 누가 분열을 시켜 놓았을까. 우리는 이 선을 그어놓고 서로 넘지 못하게 하면서 수많은 전쟁을 일으키고 있는데, 점박이물범은 그 경계선을 자유롭게 헤엄치고 있더라고요."

인간에게는 극도의 긴장지대인 NLL(북방한계선)이 점박이물범에게는 사냥꾼 없고 먹이 풍부한 낙원이라는 역설. 작가는 이 아이러니를 시각화함으로써 분열과 대립의 시대를 살아가는 인간에게 평화와 공존, 생명의 자유에 대한 질문을 조용히 되돌려 보낸다. 〈내 얼굴을 기억해〉 속 아기 물범의 한쪽 눈에 얹힌 분홍 하트는, 작가가 5미터 거리까지 조심스레 다가가 이 생명과 나눈 찰나의 교감이 남긴 흔적이다.

현대미술 × 거점동물원 — 전례 없는 협업 모델

이번 전시의 또 다른 축은 국내 제1호 거점동물원인 청주동물원과의 협업이다. 실제 보호·치료 중인 동물들의 구체적 사연을 작품화한 것은 국내 현대미술에서 이번이 처음이다.

그러나 이 협업은 작가에게 내적 갈등을 요구하는 결단이기도 했다.

"그 누구보다도 동물원을 반대하는 입장에 서있었기 때문에, 동물원과 협업을 한다면 그 당위성에 의문을 가질 수밖에 없었습니다. 하지만 청주동물원을 직접 방문하고 나서 생각이 많이 바뀌었어요. 청주동물원은 거점 동물원으로 아픈 아이들을 돌보는, 어떻게 보면 셰퍼 같은 동물원이었기 때문입니다."

대표작 〈하나 Hana〉는 2018년 야생에서 탈진된 채 발견된 독수리의 이야기를 담는다. 선천성 부리 기형으로 스스로 먹이를 사냥할 수 없어 청주동물원에서 7년째 보호받고 있는 하나는, 작품 속에서 별이 뜬 밤하늘을 배경으로 홀로 서있다. "동물원에 갇혀 있지만 자유를 갈망하며 날고 싶은 복수의 눈빛을 보았다"는 작가의 말처럼, 화면은 상처 너머 소멸하지 않은 의지를 포착한다.

3,000번의 주사, 마스카라의 감옥

전시의 또 다른 충격은 〈사라진 감각 Lost Senses〉에서 온다. 마스카라 안전성 검증을 위해 3,000번의 화학물질 주입 실험을 당한 토끼 '랄프'를 모티프로 한 이 작품은, 팝아트적 화면의 화사함 뒤에 날카로운 고발을 숨기고 있다.

"저는 마스카라의 기둥을 감옥의 창살로 재해석했지만, 저 아이가 언제든지 뛰쳐나올 수 있도록 짧게 그렸습니다. 목걸이의 '3K'는 3,000번의 동물 실험을 당한 것에 대한 나름의 보상입니다."

눈이 멀고, 귀가 들리지 않게 된 랄프. 목걸이는 훈장이 아니라 멍에다. 그러나 작가는 랄프를 결코 비루하게 그리지 않는다. 당당하고, 심지어 눈부시게. 우리가 매일 사용하는 마스카라 하나에 새겨진 고통의 무게를 미적 충격으로 전달하는 것, 그것이 고상우의 방법론이다.

이명옥 관장 — "윤리적 시선이자 공존을 향한 질문"

사비나미술관 개관 30주년의 해에 이 전시를 선택했다는 사실은 의미심장하다. 이명옥 관장은 개막식 환영사에서 전시의 본질을 이렇게 짚었다.

"작가는 멸종위기 동물이나 소외된 존재들에게 강렬한 빛을 투사합니다. 그들을 연민의 대상이 아니라, 자신만의 자유를 지켜내는 생존의 주체로 바라봅니다. 이 눈부신 빛은 우리가 타자의 존엄성을 다시 발견하게 하는 윤리적인 시선이자 공존을 향한 질문입니다. 매체의 경계를 허물고 공간 전체를 생동하는 감각의 장소로 전환하는 고상우의 작업은, 사비나미술관이 30년간 지향해온 융합의 미학과 완벽하게 맞닿아 있습니다."

작가와 기획자가 12년을 함께 호흡하며 만들어낸 전시다. 고상우는 오프닝 현장에서 직접 그린 이 관장의 드로잉 초상을 무대 위에서 건네며 "수많은 후배 작가들을 위해 30년을 버텨주신 분"이라고 말했다.

"제발 그냥 이대로 놔주세요"

오프닝 인사말 끝에 작가는 조용히 한 마디를 덧붙였다.

"제가 가장 좋아하는 노래가 비틀즈의 〈Let It Be〉예요. 제발 우리를 그냥 이대로 놔주세요. 그 말을 마지막으로 마치겠습니다."

짧은 한 문장이 전시 전체의 무게를 응축한다. 《Still Breathing》은 사라져가는 존재들을 위한 만가(輓歌)이자, 아직 늦지 않았다는 선언이다. 동시에 현대미술이 동물 복지, 생태 보전, 시민 교육의 영역과 어떻게 유기적으로 결합할 수 있는지를 보여주는 실천적 모델이기도 하다.

5층 프로젝트룸에는 작가가 2022년부터 2025년까지 정부, 지자체, 기업, 재단과 협업한 공익 프로젝트의 기록이 전시된다. 청주동물원 동물들을 모티프로 한 드로잉 80점(A3)도 함께 선보이며, 관람객은 작가와 함께하는 드로잉 클래스 등 전시 연계 프로그램에 직접 참여할 수 있다.

상처 입은 생명 앞에서 예술은 무엇을 할 수 있는가. 파란빛 전시장을 나서며 그 질문이 오래 따라온다.

전시 기간: 2026년 5월 2일 – 5월 31일 장소: 사비나미술관, 서울 주최: 문화체육관광부 / 주관: 한국박물관협회, 사비나미술관

이상민 | 수석전문위원 · 미술인문학자
한국작가후원연대(KASC) 이사장 · 통섭미술 비평가

경기 광주 영은미술관 제2전시장에 들어서는 순간, 관람객은 묘한 정적과 마주한다. 화려한 색채도, 요란한 설명도 없다. 벽면 곳곳에 조용히 박혀 있는 검고 묵직한 세라믹 오브제들, 그리고 거대한 한지 위에 떠오른 달항아리의 형상. 그 앞에서 사람들은 자연스럽게 발걸음을 멈추고, 말 대신 눈으로 오래 머문다. 조각가 문민순(b.1961)의 개인전 《사라짐 너머의 : 스며든 흔적》이다.

"30년을 연기와 함께 살았습니다"

5월 2일 열린 오프닝에서 문민순은 차분하고 또렷한 목소리로 자신의 작업을 설명했다. "제가 연기 작업을 시작한 것은 한국에서부터입니다. 거의 30년이 됐습니다." 간결한 한 문장이었지만, 그 안에는 서울과 리옹과 파리를 오간 긴 시간이 압축되어 있었다.

1961년생인 그는 홍익대학교 도예과(1982년 졸업)에서 흙과의 첫 대화를 시작했다. 이후 프랑스로 건너가 리옹 국립미술학교 조소과(DNAP, 1992년 졸업)를 마쳤고, 파리 1 팡테옹-소르본 대학교에서 조형예술 석사(2008년)와 박사과정(2015년 수료)을 밟았다. 서울에서 도예의 감수성을 키우고 리옹과 파리에서 현대 조형의 이론적 언어를 익힌 30여 년의 학문적 여정은, 그의 작업이 동양의 흙 감각과 서구의 관념 미학 사이 어딘가에 정확히 자리 잡게 된 배경이기도 하다.

개인전은 이번이 사실상 한국에서의 본격적인 귀환이나 다름없다. 1998년 부산 NC Gallery와 1999년 대전시민회관에서 〈설치, 시간의 이야기〉로 국내 무대를 밟은 이후, 2012년 파리 89 갤러리에서 〈Contemplation〉을 개최했지만 한국에서의 개인전은 오랜 공백이 있었다. 그 사이 그는 파리 시테 인터내셔널 데자르, 브르타뉴 프랑수아즈 리비넥 갤러리, 파리 에스파스 24 보부르 등 유럽 주요 기관을 무대로 그룹전 활동을 이어왔고, Art Paris, Asia Now, Fine Arts Paris & La Biennale 등 국제 아트페어에도 꾸준히 얼굴을 내밀었다. 작품은 전주문화재단과 파리 세르누치 미술관이 소장하고 있다. 2026년 영은미술관 레지던시 입주와 함께 마련된 이번 전시는, 그 긴 여정의 한국적 결산이다.

흙, 불, 연기 — 세 원소가 만드는 존재의 철학

문민순의 작업을 이해하는 열쇠는 세 가지 원소에 있다. 흙, 불, 그리고 연기.

흙은 인류가 가장 오래 손에 쥐어온 물질이다. 구약성경은 인간이 "흙에서 왔으니 흙으로 돌아간다"고 선언하고, 고대 그리스 철학자들은 흙을 만물의 근원적 원소로 꼽았다. 문민순이 흙의 표면을 손으로 끊임없이 문지르고 연마하는 행위는 단순한 성형(成形)이 아니다. 그것은 작가의 손이 기억하는 감각의 시간이며, 흙이라는 물질이 인간의 손길을 통해 비로소 자신의 형태를 찾아가는 관계의 과정이다. 손의 온기가 흙에 전해지고, 흙의 저항이 손에 되돌아오는 그 교환의 시간 속에서 작품은 시작된다.

불은 변환(變換)의 상징이다. 프로메테우스가 신에게서 훔쳐왔다는 불은 날것을 익히고, 금속을 녹여 다시 빚고, 흙을 단단한 그릇으로 바꾸는 연금술적 힘이다. 가스통 바슐라르는 『불의 정신분석』에서 불이 인간의 상상력을 가장 깊이 자극하는 원소라고 했다 — 불은 파괴하면서 동시에 창조한다. 문민순의 가마 속 불도 마찬가지다. 그 불은 흙으로 빚은 형태를 영원히 굳히는 동시에, 표면 위에 우연의 흔적을 새겨 넣는다. 작가가 통제할 수 없는 바로 그 순간이, 예술이 탄생하는 지점이다.

그리고 연기. 연기는 세 원소 중 가장 모호한 존재다. 불과 공기 사이 어딘가에 잠시 머물다 사라지는 연기는 물질도 아니고 완전한 비물질도 아닌, 경계의 존재다. 그런데 문민순의 작업에서 연기는 사라지지 않는다. 가마 안에 갇힌 연기는 흙의 미세한 기공(氣孔) 속으로 깊이 스며들어 검은 탄소의 층위로 영구히 각인된다. 덧없이 사라지는 것이 가장 영속적인 흔적을 남긴다는 이 역설이, 전시 전체를 관통하는 핵심 사유다.

작가는 이 세 원소의 관계를 오프닝에서 이렇게 표현했다. "검은 색은 어떤 상상력을 갖게 하는 색이기도 하고, 어떤 것을 가리기도 하고, 감추기도 하고, 드러내기도 하고 — 굉장히 상상력을 담을 만한 색입니다." 연기가 흙에 스미는 그 찰나는 작가조차 볼 수 없다. 가마 문을 열었을 때 비로소 드러나는 표면은, 불과 연기가 흙과 나눈 비밀스러운 대화의 결과다. 가마 속 불과 연기가 남긴 재와 흔적은 단순한 물질적 잔재가 아니라, 한때 이 자리에서 무언가가 타오르고 스미고 변환되었다는 존재의 증언이다.

기하학의 기원 — 열네 살 소녀가 본 콘크리트 건물

작가의 조형 언어는 뜻밖의 기억에서 출발한다. 오프닝에서 그는 담담하게 털어놓았다. "제가 청소년기 때 처음으로 높은 건물을 본 인상이 굉장히 크게 다가왔기 때문에, 그 인상을 가지고 지금까지 계속 기하학적인 형태로 반복적으로 해오고 있습니다." 농촌에서 자라 서울에 처음 올라온 열네 살 소녀가 2층, 3층, 4층 건물의 높이에 압도되었던 그 충격이, 수십 년을 가로질러 지금의 직육면체와 정육면체, 기둥 형태의 세라믹 오브제로 이어지고 있는 것이다.

이번 전시에서 벽면에 설치된 연작 〈그림자의 숨〉은 그 기하학적 집념의 현재형이다. 정육면체 세라믹 블록들이 벽에 박혀 각각의 그림자를 드리우고, 그 그림자마저 작품의 일부가 된다. 작가는 "입체로 만든 것이 원근법적인 형태로 보여지는 생각이 들었다"고 했다 — 3차원의 물질이 2차원의 그림자와 공명하며 또 다른 공간을 만들어내는 것이다.

월하리(月下里)의 감각 — 달빛을 품은 이름

이번 전시에서 반복적으로 등장하는 원형(圓形)의 달항아리 이미지는, 작가의 이름과 고향으로 거슬러 올라간다. "제가 사는 고향의 마을 이름이 월하리입니다. 달 밑에 있는 마을이라는 뜻입니다. 저희 마을에는 높은 산이 없고 작은 동산이 있고 넓은 평야가 있는 지대입니다. 밤 동안에 오랫동안 달이 비춰지고 있고, 유난히 달이 있을 때는 밝았던 기억이 있습니다. 그리고 제 이름이 문(Moon)입니다."

달빛이 오래 머무는 마을에서 나고 자란 작가가 성(姓)마저 달을 품고 있다는 사실은 단순한 우연이 아니다. 전시작 〈숨 쉬는 그림자 202401〉과 〈숨 쉬는 그림자 202503〉은 작가가 직접 제작한 달항아리를 촬영해 한지에 피그먼트 프린트로 옮긴 작품이다. 오프닝에서 그는 "사진인지 그림인지, 두 가지 상태가 항상 공존하고 얽혀 있다"고 말했다 — 세라믹 실물과 한지 위 이미지 사이에서, 물질과 흔적의 경계가 다시 한번 흔들린다.

말러의 교향곡과 관람자의 숨소리

공간 전체가 하나의 악보처럼 설계되었다는 점도 이번 전시의 특징이다. 작가는 "구스타프 말러의 교향곡에서 얻은 감각을 이 공간에 설치해 보려고 했습니다. 상승과 수평적인 시간과 멈춘 떨림이 있는 흐름, 그리고 응집이 흩어지고 다시 응집하는 리듬을 생각하며 했습니다"라고 밝혔다. 삶과 죽음, 상승과 하강을 거대한 오케스트라로 직조한 말러의 음악적 리듬이 전시 공간의 여백과 오브제 배치에 녹아 있는 것이다.

전시장에는 의도적으로 텅 빈 공간이 많다. 작가는 그 여백에 대해 말했다. "관람자들이 지나가면서 숨소리나 발걸음 소리로 채워보면 어떨까라는 마음으로 여백의 공간을 뒀습니다." 작품은 작가의 손에서 완성되지 않는다. 관람자의 신체와 호흡이 공간을 채울 때 비로소 전시는 완성된다.

사라진 것은 없어진 것이 아니다

2013년 전주 교동미술관, 2024년 전주문화재단 양화소록 레지던시를 거쳐 2026년 영은미술관 레지던시에 입주한 문민순은, 이번 전시를 준비하며 "24년 만에 한국의 흙을 만졌다"고 했다. 파리의 작업실에서 내면으로 깊이 침잠하며 '사라짐'을 사유하던 작가가, 오래된 고향의 흙으로 돌아온 것이다. 오프닝에서 그는 "파리에서 사라짐에 대한 것에 계속 질문을 던지면서 명상하는 시간을 굉장히 많이 가졌습니다. 그 명상의 결과가 작품 속에서 보여지는 거 아닌가라는 생각이 들기도 합니다"라고 했다.

그 질문의 답이 지금 영은미술관 제2전시장 벽면과 바닥에, 그리고 한지 위에 고요히 펼쳐져 있다. 흙이 기억하고, 불이 새기고, 연기가 증언한 시간의 층위들. 그 앞에서 우리는 결국 이해하게 된다 — 사라진 것은 없어진 것이 아니라, 형태를 바꾸어 우리 곁에 스며들어 있다는 것을.

전시는 5월 24일까지.

이상민 | 수석전문위원 · 미술인문학자
한국작가후원연대(KASC) 이사장 · 통섭미술 비평가

대상 - 교육부장관상 김수지 (함현고3)

대상 - 법무부장관상 신재진 (천안신부초 5)

마약 근절 그리기 대회 본상 수상작

최우수상 - 한국학원총연합회장상 전지훈 (우촌초5)

우수상 - 전국미술교육협의회장상 김아람 (유치부7세)

서울 강남구에 위치한 서울 코엑스에서는

2026 화랑미술제 전시가 진행중이에요.

국내 최초의 아트페어인 화랑미술제는

1979년부터 시작되어 올해로 48회를 맞이했는데요,

4월 9일부터 12일까지 나흘간 열린다고 합니다.

올해는 169개 갤러리가 참여하면서

역대 최대 규모로 열렸다고 합니다.

또한, 다채로운 볼거리가 함께하는데요,

솔로부스 운영을 비롯하여

50주년을 맞은 한국화랑협회에서 여는

창립 50주년 기념 특별전 등 다양한 볼거리가

준비되었다고 합니다.

전시정보 자세히 보기 

https://blog.naver.com/arcomm/224247942715

부산 해운대구에 위치한 부산 벡스코에서는

2026 부산국제화랑아트페어(BAMA) 전시가 진행중이에요.

사단법인 부산화랑협회가 주최하고

2026 BAMA 운영위원회가 주관하는

<2026 부산국제화랑아트페어>가

올해로 15회를 맞이했는데요,

국내외 갤러리 136곳이 참여하여

약 4천여 점의 작품이 공개된다고 합니다.

오늘부터 3일간 열리는 아트페어에서는

다양한 프로그램도 준비되어 있다고 하는데요,

청년 작가들의 실험적 작업을 만나볼 수 있는

<생동하는 노드: 2030의 맥박>과

미디어, 설치, 조각 등 다양한 매체의 작품을

만나볼 수 있는 <노드: 공간의 교차> 전시가

준비되어 있다고 합니다.

전시정보 자세히 보기 

https://blog.naver.com/arcomm/224238356838

서울 용산구에 위치한 샤워에서는

전시 <No More Play 3>가 진행중이에요.

2023년 봄,

샤워 공간을 전시 공간으로 공사하면서

진행한 프로그램 <No More Play>의

후속이라고 볼 수 있는 이번 전시는

저명한 조각가인 알베르토 자코메티의

동명의 작품에서 전시명을 따왔다고 합니다.

게임과 놀이의 주제를 탐구하며

네 명의 작가가 각자의 색으로

전시 공간을 채웠는데요,

그럼 한번, 다시 살펴볼까요?

아크릴거울판으로

전통극의 무대 구조를 모사한 이 작품은

잔흠과 얼룩이 남은 뒷면을 보여주는 형식인데요,

회화의 뒷면과 그림을 둘러싼

주변 요소에 주목하여

기념비적 회화의 보수과정이 지니는

물리적 중량감과 느린 시간성에 대해 이야기합니다.

일정 기간동안 전시장에서 머물며

작업을 제작한 조이솝 작가는

최소한의 재료와 공구,

동료 작가의 규칙 아래

즉흥적으로 작업했다고 합니다.

전시정보 자세히 보기 https://blog.naver.com/arcomm/224222221902

오늘은 피비갤러리에서 전시중인

함미나 작가의 개인전 <바다위 Badawi> 전시정보를

포스팅하도록 하겠습니다.

서울 종로구에 위치한 피비갤러리에서는

함미나 작가의 개인전 <바다위 Badawi>가 진행중이에요.

흔히 이 전시명을 듣고 '넘실거리는 바다의 표면 위'를 떠올리실텐데요,

사실 이는 사막의 유목민을 의미하는 베두인이

아랍어로 쓰였을 때(يودب, Badawi)의

발음과 문자 모양에서 착안한 제목이라고 합니다.

이 문자에서 물결 위를 나아가는 배의 모습을 연상한 작가는

다양한 작품들을 통해

이동과 고정, 현재와 기억 사이 의 상태 등

다양한 층위의 '흐름'에 대한 이야기를 전개합니다.

작가는 인물 회화를 중심으로

개인적인 기억과 정서가 쌓여가는 과정에 대한 탐구를 이어오고 있습니다.

이 작품에서는 푸른 색감으로 표현된 인물이

두 손으로 눈을 가리고 있는 모습을 볼 수 있는데요,

작가는 <인간번데기> 연작에서 불특정한 인물의 얼굴을 포착하여

마치 사진처럼 고정되어 기록되는 듯한 느낌을 자아냅니다.

하지만 그의 작품은

특정 인물을 사실적으로 담아내기 보다는,

불완전한 기억과 감정의 흔적을 담아내며

감정을 쉽게 읽을 수 있는 명확한 표정보다는

이 작품과 같이 생략되거나 절제된 표정의 인물을 담아냅니다.

이와 같은 불명확한 표정은 관객들로 하여금

열린 해석을 제공하죠.

작가는 김기림의 시 <바다와 나비>,

그리고 모나크 나비의 이동 방식에 영감을 받았다고 하는데요,

모나크나비는 4세대에 걸쳐

수천킬로미터에 달하는 긴 여정 을 이어간다고 합니다.

더불어 차콜로 그려진 이 작품은

건식 재료가 지닌 특유의 지워짐과 번짐을 담아내며

마치 여정의 지속, 그리고 그 속에서의 흐름을 의미하는듯한

'시간 속의 과정'을 표현하는 등

재료를 통해 작품의 이야기를 극대화하죠.

전시정보 자세히 보기 https://blog.naver.com/arcomm/224216351976

미술전시 정보전문

미술인 에디터입니다~

오늘은 노원아트뮤지엄에서 전시중인

<인상파, 찬란한 순간들> 전시정보를

포스팅하도록 하겠습니다~~

서울 노원구에 위치한 노원아트뮤지엄에서는

<인상파, 찬란한 순간들>이 진행중입니다.

반 고흐, 모네, 르누아르, 세잔 등

누구나 한 번 쯤 들어봤을 너무나 유명한 화가의 이름들,

모두 인상파 화가들인데요.

인상파 화가들은 전시의 제목처럼

다양한 방법으로 '찬란한 순간'을 포착하기 위해 노력했습니다.

이번 전시에서는 무려 원화 작품을 만나볼 수 있다고 하는데요,

과연 그들이 그때 그 순간 포착했던 순간은

어떤 모습이었을지, 함께 만나볼까요?

'인상파' 하면 가장 먼저 떠오르는 작가, 바로 클로드 모네입니다.

모네의 작품은 '인상파 특유의 색채'를 떠올렸을 때

단번에 떠오르는 색감을 품고 있는데요,

그는 단순히 풍경을 재현하기 위한 관념적인 색이 아닌

매순간 변화하는 '인상의 색채'를 표현했습니다.

대기와 빛이 변화하는 인상을 포착하는것은

컨스터블과 터너의 영향을 받았다고 합니다. 

혹시 쇠라의 <그랑자트섬의 일요일 오후>라는 작품,

보신 적 있으신가요?

따사로운 햇살 아래 여유를 즐기는 사람들의 모습이

'점묘법'으로 표현된 작품인데요,

작품의 주인공인 폴 시냑은

작은 점들을 찍어 시각적으로 색이 혼합되어 보이는 방식인

'점묘법'을 개발했던 쇠라의 영향을 받아

빛과 색에 대한 과학적 접근을 기반으로

인상주의를 전개했던 화가입니다.

전시정보 자세히 보기 https://blog.naver.com/arcomm/224216212519

서울 서대문구 갤러리 0℃ 0도씨 연희동

2024.05.17.(금) ~ 2024.06.13.(목)

무료전시 

오늘은 갤러리 0℃ 0도씨 연희동 에서 전시중인 정선아 개인전 전시정보를 알아보겠습니다.

 

갤러리 0℃ 0도씨 연희동에서 열리는 이번 전시, 정선아 개인전은 봄‧여름의 여린 연둣빛과 무성하고 빼곡한 풀 더미, 갓 베어진 나무 등 흔하고 하찮게 여겨지는 자연물 또는 그와 관련된 풍경에 관한 것이다.

전시 제목인 <환한 가벼움>은 작업에 대해 느끼게 되는 변화와 외부의 것이 작업 대상으로 다가오는 순간적 상태에 대한 작가의 마음 상태를 의미한다.

 

평범한 식물들의 어떤 순간의 모습,자연이 주는 색과 형의 다채로움은 풍경을 새삼스럽게 느끼게 하고 대상을 그려보고 싶게 한다.

이번 전시 작업은 봄‧여름의 여린 연둣빛과 무성하고 빼곡한 풀 더미, 갓 베어진 나무 등 흔하고 하찮게 여겨지는 자연물 또는 그와 관련된 풍경에 관한 것이다.

자연 풍경에서 보게 되는 순간의 시각적 특징들-나무에 반사된 희게 눈부신 쨍한 빛,풀 더미 속 식물들이 보이는 각기 다른 잎의 모양, 질감, 미묘한 색들의 집합적 상태를 세세하게 그려보고자 했다.

재현 과정에서 사진 그대로의 객관적 상태와 매끈한 표면처리 같은 극사실성보다 묘사 과정에서 촘촘하게 쌓이는 붓질과 물감의 흔적,이미지 재구성으로 대상을 회화적으로 드러내고자 했다.

2017년까지 작가의 작업은 내면의 감정에 관한 것이었다. 작업이 개인적인 영역 안에 머무르게 되는 듯함을 벗어나 보고자 주변의 자연물이 있는 풍경에 관심을 두게 되었다.

바깥 환경의 것들을 그리게 되면서 이전보다 작업에서 개인적이고 내밀한 영역과의 밀접성이 옅어지고 작업 과정에서의 고민도 명료해지는 것 같다. 작업과 관련해서 느끼게 되는 이런 가뿐함이 좋다.

 

학력

2006 서울여자대학교 일반대학원 조형학과(회화전공) 졸업

2003 서울여자대학교 미술대학 서양화과 졸업

개인전

2024 환한 가벼움, 갤러리 0℃, 서울

2021 마른 숲, 갤러리 자인제노, 서울

2017 불완전함의 언저리, 갤러리 아트셀시, 서울

2016 내밀한 자화상, 공에도사가있다, 서울

2012 남겨진 흔적, 화봉 갤러리, 서울

2009 Home of Mine, 갤러리 정, 서울

2008 정선아 개인전, 갤러리 가이아, 서울

2005 정선아 개인전(석사청구전), 바롬 갤러리, 서울

그룹전

2024 기억의 파도-세월호 참사 10주기 추모전, 근현대사미술관 담다, 용인

2020 무해한 경계, 올미아트스페이스, 서울

2018 자화상 facebooking, 인디아트홀 공, 서울

2016 선으로 말하는 세상, 백민미술관, 보성

2015 난 전혀 즐겁지 않다, 갤러리 울, 고양

2010 EACH POINT, 아트팩토리, 파주

2009 제4회 View Finder of YAP(신인작가 발굴 공모), 갤러리 정, 서울

2007 MILD & WILD, 갤러리 인데코, 서울

2004 젊은이의 숨소리 04‘-breath, 갤러리 인데코, 서울

Funny sight, 갤러리 올, 서울 異 와 同, 한서 갤러리, 서울

2003 복제, 동호 갤러리, 서울

작품소장

서울특별시청 박물관과

​전시기간 : 2024.05.17.(금) ~ 2024.06.13.(목)

전시장소 : 갤러리 0℃ 0도씨 연희동 | 서울 서대문구

관람시간 : 화 - 토 | 13:00 - 18:00 (매주 일, 월 휴무)

웹 브로슈어 : http://mypic.shop/art/3_csa.php

3색0도 전시정보 서울 서대문구

갤러리 0℃ 0도씨 연희동 - 김미성 최경선 하이경 작가 3인전 오프닝전시 

 

연희동에 새로 오픈한 갤러리 0도씨에서

김미성, 최경선, 하이경 3인의 작가가 참여하는 오프닝 전시,

3색 0도가 2023.12.21.(목)까지 열립니다.

본 이미지는 전시중인 이미지로, 갤러리에서 제공받았습니다

 

갤러리 소개

2023년 11월에 오픈한 갤러리 0℃는 연희동에 위치한 젊은 갤러리로 젊은 가치와 열정으로 문화를 사랑하는 대중들에게 쉽고 친절하게 다가가는 문화예술공간을 제공합니다.

0℃는 온도의 출발점이자, 물의 상태변화의 기준 점이라고 할 수 있습니다.

새로운 출발은 하는 신진 작가들을 발굴하고 지원하며, 중견작가들의 예술세계도 대중들에게 잘 전달될수 있도록 기여하는 갤러리가 되는것이 목표입니다.

작가 소개

 

김미성 작가

학력

1995년 홍익대학교 미술대학 회화과 졸업

개인전

아트리에갤러리2023,

카라스갤러리2023,

아트스페이스(더스테이힐링파크)2022,

바움아트스페이스2021,

온리갤러리2019,

나부하우스갤러리2018,

'ㄱ'갤러리2017,

대안공간눈2016,

A1갤러리2016

그룹전

BK갤러리2022, 케이옥션갤러리2022, 코코넛박스2022, 꼴라보하우스도산2021, 에코락갤러리 2021등의 다수의 그룹전

 

최경선 작가

학력

2000년 홍익대학교 대학원 회화과 졸업

1995년 홍익대학교 미술대학 회화과 졸업

개인전

2023년 ‘밀려오는 꽃’/갤러리호호, 서울

2022년 ‘두려움 없이’/나무아트, 서울

2022년 ‘물 댄 첫번째 들판’/The Stay Art Space, 경기

2020년 ‘미동’/자하미술관, 서울

2019년 ‘生·물(水)’/나무아트(화랑), 서울

2017년 ‘귀가’/창룡마을창작센터, 경기

2017년 ‘비오톱의 저녁’/나무아트(화랑), 서울

2015년 ‘흐르는 빛‘/오산시립미술관, 경기

2012년 ‘실존의 포에지(poesie)’/관훈갤러리, 서울

2010년 ‘유년의 잔치’/갤러리아트사이드, 베이징 중국

2009년 ‘허욕의 자리’/T Art Center, 베이징 중국

2001년 ‘RETURN’/덕원 갤러리, 서울 한국

그룹전

2023년 ‘Plan B를 위하여’ 나무아트 기금마련전/57th갤러리, 서울 외 다수

기타경력

2019년 서울문화재단 창작지원작가

2016년 경기문화재단 기성작가 창작지원작가

2015년 오산문화재단, 오산시립미술관 창작지원 2기작가

2010년 중국 하북교육대학교 특강

작품소장

국립현대미술 ‘미술은행, 나무아트, 북경자동차박물관

​

 

하이경 작가

학력

1995 홍익대학교 회화과 졸업

서강대학교 방송언론대학원 특수영상그래픽과 수료

[개인전] 2009~2023년 22회

[단체전,아트페어] 1998~2023년 124여회

[수상 및 레지던시]

2020 배동신 어등미술제(소촌아트팩토리 큐브미술관,광주)

2014 유중 창작스튜디오 4기 입주 작가 (2014.10~2015.10)

2013 63 SKY Art museum New artist project 기금 선정 작가

2012 Busan Art Show-Asia Artist Award 작가

2011 서울옥션 7월의 작가

2009 델코 스튜디오2기 입주 작가(2009.7~2010.8) 外 다수

[작품소장]

국립현대미술관 미술은행(2021,2015),정부미술은행(2016),서울시립미술관(2015),인천문화재단,한국예탁결제원,한화호텔앤드리조트㈜, 유중아트센터, 한일 시멘트, 코디센 본사, 맥도날드 본사, 임페리얼 팰리스 호텔,개인 소장 등

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​작품 소개

김미성_Euphoria_116.8x91cm_oil_on_linen_2023

잃어버린 것 - 김미성

빛을 잃기 전의 기억들의 조각들을 하나씩 줍는다.

희미하지만 거부할 수 없는 그 기억들, 잃어버린 그 모든 것들의 암시는

문득 먹먹한 통증을 주기도 한다.

하지만, 그 기억 속 낡은 인형 하나가 과거의 작고 반짝거리며

따스한 기억의 주변을 서성이게 하며 서늘하게 부딪혀오는 일상의 상처를

따뜻하게 보듬어 미소 짓게 할 수도 있는 것이다.

김미성 작가는 자신의 작업속에서 익숙한 곳에 돌아와 있는 것 처럼 편안한 위안을 느낄 수 있길 바란다고 전한다.

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최경선_밀려오는꽃,_110X110cm,_Oil_on_canvas,_2023

물에 대한 해석 - 최경선

최경선 작가는 ‘물’을 소재로 삶의 생동, 애도, 치유를 그림에 꾸준하게 담아 왔다.

이번 <3색 영도>전에서는 이전 작품에서 최근 작품에 이르는 물의 다양한 해석을 볼 수 있다.

연약한 생명들에 대한 애정이 도리어 거친 세상과 마주할 힘을 준다고 믿는 작가는

생동감 있는 붓질로 이를 구현하고자 한다.

오염된 말들이 난무하는 작금에 진실되어도 허약해 보이는 언어에 생생한 실제를 부여하는 작업을 하고 싶다고 말한다.

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하이경 - 바다_안개(Sea_mist).2023._oil_on_canvas,_91x116.8cm(50F).

공간의 기억 - 하이경

천천히 걷는다. 고독을 벗삼아 걷는 발걸음이 즐겁다.

삶의 길을 천천히 산책하며 바라보는 공간의 기억을 담담히 그린다.

세월의 기억과 경험이 쌓일수록 오히려 마음은 점차 비워지는 듯 하다.

이런 유난하지 않은 무심함이 좋다.

작은 물결의 흔들림, 빛을 받아 반짝이는 물빛, 가만히 함께 걷는 길, 석양을 바라보는 시선.

마음을 움직이는 것은 그런 것이기를 바라며 내 좋은 사람과 두런두런 이야기하듯 그린다.

목적을 두고 산만했던 마음이 단순해 가는 것이 좋다.

더욱 비우고 내려놓고 담담해지고 싶다.

천천히 끊임없이 흐르는 물을 닮은 그림을 그리고 싶다.

전시기간

2023.12.01.(금) ~ 2023.12.21.(목)

전시장소

갤러리 0℃ 0도씨 연희동 | 서울 서대문구

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관람시간

화~토 | 13:00 - 18:00

(매주 일,월요일 휴무)

갤러리 0도씨 공식홈페이지

http://0doc.kr

이정웅: 미지와의 조우 - 서울 중구

2023.10.06(금) ~ 2023.10.22(일)

챔버1965

무료전시

이정웅 개인전 

챔버1965 에서 전시중인 이정웅: 미지와의 조우 전시정보

본 포스팅은 챔버1965의 공식 사이트를 참고하였습니다.

(https://www.instagram.com/chamber1965/?img_index=1)

전시 개요

성북구 한성대 입구역에 위치한 챔버1965에서 이정웅 작가의 개인전이 진행중입니다.

긴 추석연휴 동안 디피된 전시인데요, '미지와의 조우'라는 이름으로 멋진 평면 작품과 설치 작품이 조화를 이루어 진행되고 있습니다.

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작가 소개

I  이정웅  I

이정웅 작가는 역사의 한 장면이나 과거의 기억을 다른 시점으로 구성합니다.

이를 배경으로 인물들의 상황과 구도, 자세를 설정하여 작가만의 방식으로 표현하고 있습니다.

런던을 중심으로 활발하게 활동했습니다.

작품 소개

I  정물대의 UFO  I

작가는 이번 전시에서 '그것을 UFO라 믿고 싶었다.'라며 테이블 위에 정적으로 놓여있는 정물들 사이로 생문어를 함께 그려넣었습니다.

이 이질감은 마치 문어가 외계로부터 추락한 외계생명체 같은 느낌을 만듭니다.

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전시회 상세 안내

전시기간 : 2023.10.06(금) ~ 2023.10.22(일)

전시장소 : 챔버1965  | 서울 성북구

관람시간 : 화~일  | 13:00 - 20:00 (매주월요일 휴무)

관람료 : 무료 전시

이상윤 개인전 - 서울 강남구

2023.10.10.(화) ~ 2023.11.09.(목)

스텔라 갤러리

무료전시

오늘은 스텔라 갤러리에서 전시중인 이상윤 개인전 전시정보에 관한 내용입니다.

본 기사는 스텔라 갤러리의 공식 홈페이지를 참고하였습니다.

http://www.stellargallery.co.kr/

 

폐목재

이상윤 작가는 나무를 사용하여 무엇인가 일을 할 때 사용할 수 있는 도구를 만들어낸다. 

그런데 그가 사용하는 나무들은 특정한 용도에 사용되기 위해 가공된 고급 원목들이 아니다. 

그저 쓸모없이 버려진 폐목재들이거나 산이나 들에서 그가 직접 주운 잡목과 같은 나무들이다. 

도구화

그는 이렇게 쓸모없던 것들을 이용하여 사용이 가능한 도구로 만들어내는 일을 한다. 

작가는 처음에 자신의 작업에 필요한 도구들을 만들기 시작하면서 이러한 작업을 시작하게 되었다고 한다. 

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가치의 변화

그 이후 생활에 필요한 도구에 이르기까지 다양한 것들을 만들게 되었는데, 쓸모없고 가치 없었던 나무 조각들을 쓰임이 있는 것들로 만들어 가는 과정에서 사용할 수 없었던 나무가 점차 사용할 수 있게되고 가치 있는 대상들로 변화 되는 것에 흥미를 느끼게 되었고,어느 순간 그것들을 사용하기 보다는 소장하고픈 마음까지 생겨나고 있음도 경험하게 되었다고 한다.

선입견

엄청난 예술작품에서 나올법한 아우라를 기대하고 있거나 혹은 미술지식에 의해 공예나 조각과 같은 장르 구분을 하고 나서야 감상을 시작할 수 있을 것 같은선입견을 가지게 된다면 그의 작업에 담겨있는 것들을 발견하기는 쉽지 않을 것이기에 예술작품에 대한 고정관념을 버리고 버려진 나무들이 쓰임새를 갖게 되고 고유의 가치를 갖게 되는일련의 과정 자체를 음미해야함을 상기할 필요가 있다.

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겹쳐진 영역

이상윤 작가의 작업 과정에서 인상적인 것은 목수나 장인들이 필요에 따라 쓰임새있는 물건을 긴 시간 동안 만들면서 경험하였음직한 물질과 정신로부터 연장된 이야기들과 예술가가 재료를 깎고 다듬으면서 혹은 작가적 지향점을 향해 진행하면서 경험하게 되는 이야기들은 서로 일정한 차이가 있을 수 있겠으나 어쩌면 서로 겹쳐져 있는 영역이거나 같은 영역에 대한 다른 양태일 수 있다는 생각에 다다르게 된다는 것이다.

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예술의 발생

예술 혹은 예술작품에 대한 정의나 질문은 예술가들의 본질적인 과제일 것이지만 

이렇게 이상윤 작가는 그러한 문제를 작업과정 자체를 통하여 접근해가고 있다는 것과 그의 작업이 결과물뿐만 아니라 그의 작업 과정에 자체에서 예술이 발생하는 지점에 대한 사유의 폭을 넓혀주고 있다는 것은 흥미로운 부분이다. 

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근본적 접근

이것은 단순히 순수미술과 응용미술 혹은 조각과 공예와 같은 영역의 구분 이상의 예술의 본질에 대한 좀 더 근본적인 접근에 관련한 작가적 자세에 대한 이야기로 보이기에 의미 있는 작가적 시도라고 생각된다.

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​전시 상세 정보

전시기간 : 2023.10.10.(화) ~ 2023.11.09.(목)

전시장소 : 스텔라 갤러리 | 서울 강남구

관람시간 : 화 - 일요일 11:00 - 18:00 (매주 월요일 휴무)

관람료 : 무료

리암 길릭 : The Alterants 전시정보 - 서울 용산구

2023.10.06.(금) ~ 2023.11.11.(토)

갤러리바톤

리암 길릭 개인전

무료전시

오늘은 갤러리바톤에서 전시중인 리암 길릭 : The Alterants 전시정보에 관한 내용입니다.

본 기사는 갤러리바톤의 공식 홈페이지를 참고하였습니다.

http://www.gallerybaton.com/

​전시 개요

 

갤러리바톤은 2023년 10월 6일부터 11월 11일까지 동시대 미술계를 주도하는 주요 작가인 리암 길릭(b. 1964)의 개인전 《The Alterants(변화의 주역들)》을 한남동 전시 공간에서 개최한다. 

관계 미학의 태동과 심화에 지대한 공헌을 한 길릭은 순수미술 외에도 출판, 디자인, 전시 기획 등 다방면에 걸쳐 자신의 예술세계를 진일보 시켜왔다. 

이번 바톤과의 세 번째 개인전에서는 처음으로 발표하는 라이팅 부조 시리즈와 그래픽 기호 형태의 새로운 평면 시도들을 선보인다.

작가 소개

 

ㅣ리암 길릭ㅣ

 리암 길릭(b. 1964)은 사회 현상의 분석과 미학적 접근을 통해 인간, 환경, 삶, 예술 사이의 관계를 다시 규정하고, 삶을 구획하는 여러 시스템에 주목하면서 다양한 형태로 자신의 이론과 아이디어를 시각화 해왔다.

길릭은 역사상 최초로 독일의 유서 깊은 두 미술기관인 고대 근동 박물관과 함부르크 반호프–국립현대미술관과 협력하여, 페르가몬 박물관개인전 (2023.04.05-10.15)에서 빛과 색, 시간에 관한 장소특정적 작업을 선보였다.

 2021년 개관한 루마 아를 컴플렉스(LUMA Arles complex)를 위해서는 공간 사이니지 시스템을 직접 고안하기도 했다. 

그는 테이트 미술관(Tate, 2001), 뉴욕 현대미술관(MoMA, 2003), 시카코 현대미술관(Museum of Contemporary Art in Chicago, 2009), 르 마가젱 국립현대미술관(Le Magasin in Grenoble, 2014), 쿤스트할레 취리히(Kunsthalle Zürich, 2008), 말라가 현대미술관(Centro de Arte Contemporáneo Málaga, 2005), 광주시립미술관(Gwangju Museum of Art, 2021) 등 세계 유수의 미술관에서 개인전을 개최해왔다.

작품 소개

 

ㅣ수수께끼ㅣ

두 곳의 전시장에는 일련의 라이팅 부조 작품이 수수께끼 같은 그래픽 기호들과 병행하여 설치되어 있다.

 먼저, 라이팅 부조들을 살펴보면, 작가에 의해 세심하게 설계된 수평/수직의 구조를 가진 경량 알루미늄(T 슬롯)과 후면에 숨겨진 LED 라이트가 결합한 정교한 구조체이다. 

길릭의 이전 전시에서는 산업적 부재료가 특정한 패턴으로 도색되고 배열됨으로써 “대량생산과 소비의 시대”를 은유하였다.  반면, 이번 신작들은 재료 본연의 색채를 지닌 정교한 물성의 긴 육면체와 건조한 백색광의 조합으로 특징되며, 정확한 용처가 불분명한 정밀기기 또는 컴퓨터들의 군집으로 대표되는 AI, 바이오메디컬, 가상 현실, 반도체 등 “포스트 산업 시대"가 새롭게 도래하고 있음에 대한 표지적 의미를 내포한다.

 

ㅣ포스트 산업 시대ㅣ

함께 이웃한 그래픽 기호 작업은 라이팅 부조 작업들이 상징하는 포스트 산업 시대에서 필연적으로 연관된 새로운 언어와 기호들이 등장할 것이라는 길릭의 선언과도 같다. 

​이번 전시를 위해 작가가 새롭게 탄생시킨 곡선 기호는 아이소타이프에 대한 그 간의 연구를 바탕으로 개발된 그림 언어이며, 정확한 로직과 의미가 불분명한 채 “말 풍선”의 형태로 전시장 이곳저곳에 고요히 존재한다. 

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ㅣ상태 표시창ㅣ

나란히 걸린 라이팅 부조 작업은 단단한 외형과 작품 후면을 균질하게 감싸는 조명이 조화를 이루며 복잡한 알고리즘에 의해 작동하는 시스템이 마치 순조롭게 구동되는 듯한 분위기를 풍긴다.

 인접한 기호들은 그것의 표현 방식(말풍선)으로 인해 외부 시현을 위해 인위적으로 특정한 상태임을 표시하고 있는 임시의 “상태 표시창”처럼 보인다. 

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ㅣ위계질서ㅣ

직관적으로 그 의미를 알 수 없는 기호는 우리에게 즉각 익숙한 경쾌하고 유머러스한 분위기를 풍기는 동시에, 어떠한 첨단 생산 과정이 원활하게 작동되고 있음을 표시하기 위해 저명한 국제단체가 고안해 낸 듯한 위계 또한 드러낸다.

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전시 상세 정보

전시기간 : 2023.10.06.(금) ~ 2023.11.11.(토)

전시장소 : 갤러리바톤 | 서울 용산구

관람시간 : 화~토 | 10:00 - 18:00 (매주 일, 월 휴무)

관람료 : 무료

재난은 언제나 멀리 있는 것 같은데요,

그런데 정말 그럴까요?

오에이오에이에서 열리는

양하, 유리의 2인전

⟪미시적 재난 Micro-Disaster⟫은

사회적 비극이 한 사람의 내면으로

수렴되는 지점과 그 이후의 시간을 조명하는 전시입니다.

뉴스를 새로고침하는 것 외에

달리 할 수 있는 일이 없을 때의 무력감,

시간이 지날수록 잊혀지는 듯

잊히지 않는 외상을 다루고 있는데요,

두 작가는 먼 곳의 비극이 어쩌면

이미 우리의 일상과 맞닿아 있을지도 모른다는

사실을 직시하는 것으로부터 출발합니다.

먼 곳의 비극이 이미 우리의

식탁 위까지 도착해 있다는 것을,

그리고 단 0.1%의 애정만으로도

타인의 아픔을 내 곁으로 데려올 수 있다는 것을

이야기하는 두 작가의 작품을

한번, 살펴볼까요?

작가 양하는 파스텔톤으로

매끄럽게 정제된 폭발의 이미지를 통해

타인의 고통을 얼마나 가볍게

인지하고 망각하는지를 직시하게 하는데요,

먼 곳의 비극이 주연이 된 화면을 바라보며

작은 애정을 통해 타인의 아픔을 이해하려는

태도로써 무력감을 이겨내고 연대하는

따뜻한 삶의 방식을 이야기합니다.

작가 유리는 재난 앞에서

달력의 격자를 그으며 시간에 질서를 부여하는

조용하고도 능동적인 몸짓으로

비극 이후를 살아내는 방식을 제안하는데요,

개인의 힘으로 어찌할 수 없는 거대한 재앙을

작고 사소하지만 견고한 수행을 통해서

통제력을 되찾으려는 노력을 만날 수 있습니다.

전시 정보 자세히 보기

https://blog.naver.com/arcomm/224263746813

같은 식물이라도 때에 따라

약이 되기도, 독이 되기도 하는데요,

식물의 이런 파르마콘(pharmakon)적 속성은

세계를 이분법적으로 바라보고 있는

인간의 인식을 잘 보여줍니다.

오늘 소개할 전시

<맞고도 틀린… Right Now, Wrong Then>은

이러한 관점에서 출발하는데요,

학명을 부여하고, 성분을 분석하고,

수집하고 채집되며 만들어진

식물에 대한 정보가

사실은 식물의 본질을 담기보다는

세계를 작은 단위로 나누고

이해하려는 인간의 질서 욕구를

투영하고 있다는 점을 보여줍니다.

이러한 인간 중심적인 구분의 틀은

사실 모든 것이 임시적이며

계속해서 격변하는 과정으로만 존재하고,

인간 역시도 고정된 존재가 아니라

끊임없이 흔들리고 이동하는 존재임을

확인할 수 있는 기회가 될 수 있을 것 같습니다.

식물분류학과 식물생태학을 연구하는

신혜우 작가는 인류 문명이 발전할수록

식물을 식별하고 분류하는 능력을 상실해가는

아이러니에 대해 이야기하는데요,

현대 의약품의 25%가 아마존 식물에서

기원한다는 사실과는 달리

점차 식물의 야생성을 잊어가는 현실을

꼬집고 있습니다.

진 인이 나래 작가는 다원적 방식으로

우리 존재의 사회적이고 관계적인 측면을

질문해오고 있는데요,

산 근처에 이사하면서 맞이하게된

지네라는 손님을 내보내기 위해

작가가 좋아하는 계피 향을 피워낸 경험을 담아

일반적으로 환대를 표현하는 '차'를

적극적 방어 혹은 수동적 공격의 수단으로

활용한 기록을 통해 세상에 존재하는

다양한 공존의 양상을 환기합니다.

전시 정보 자세히 보기

https://blog.naver.com/arcomm/224262521634

작품을 빠르게 읽고

지나치는 것이 당연해진 시대,

한 번쯤 멈춰서 천천히

바라본 적이 있으신가요?

모든 것이 빠르게

흘러가고 지나치는 시대,

타데우스 로팍 서울의

단체전 ⟪거리의 윤리(Distancing)⟫는

한 걸음 떨어져 감각하고

바라보는 방법을 제안합니다.

한국·일본·필리핀을 무대로

활동하는 작가 케이 이마즈, 김주리,

임노식, 마리아 타니구치, 이렇게

4인의 신작 회화와 조각을

한자리에서 만날 수 있는 이번 전시는

작품을 '읽기'보다 '통과'하도록

구성되어 있는데요,

초점을 맞추듯 작품과의 거리를

스스로 조정하며 바라보고,

작품을 해독하기보다

오래 바라보며 머무는 시간을

경험하며 빠른 해석 대신

느린 감각을 권하는 전시입니다.

전시장 중앙에 자리한

이 작품은 완결된 조형물보다는

특정한 시간과 조건 속에서

유지되는 하나의 과정에 가까운데요,

작품이 지닌 시각적 특성 뿐 아니라

물질이 지닌 무게, 냄새, 온도와 질감과 같은

부분적인 감각을 통해 시간과 공기의

흐름을 더듬듯 경험할 수 있습니다.

초현실주의 같이 느껴지기도 하는

케이 이마즈의 작품은

이미 지나간 시간들이

'지금, 여기'와 접속하는 순간을

계속해서 만들어내는데요,

일정한 거리를 유지한 채

서로 다른 시간과 층위가

한 화면 안에 공존하는 상태를

지속시키고 있습니다.

전시 정보 자세히 보기

https://blog.naver.com/arcomm/224261283199

어릴 적, 문을 열면

전혀 다른 세계가 펼쳐질 것만 같은

상상을 해본 적 있지 않으신가요?

그 문이 실제로 존재한다면 어떨까요?

일상과 환상의 경계가 흐려지는

전시 ⟪룸 포 원더: 상상의 문을 열다⟫가

그라운드시소 이스트에서 열리고 있습니다.

에이든(A?DEN), 캠버 캐롤(Kamber Carroll),

마이클 페더슨(Michael Pederson), 그렉 고야(Greg Goya)

네 작가는 각자의 방식으로

상상력의 경계를 확장해온

200만 팬덤을 보유한 글로벌 아티스트 인데요,

4명의 작가가

80여 점의 조형 및 설치 작품을

선보이는 이번 전시는 보고 듣고 만지면서

감각적으로 체험할 수 있는데요,

스트리트 아트부터 참여형 미술 작품까지

다양한 형태의 작품들이

관람객 각자의 상상을

현실의 공간 위에 펼쳐냅니다.

반복되는 일상 속에서

어느새 잊고 지냈던 호기심과 설렘을

다시 깨워줄 이번 전시,

한번 방문해보시는 건 어떨까요?

이탈리아 토리노 출신의

스트리트 아티스트 그렉 고야는 '패스트 아트(Fast Art)'라는

독자적인 예술 언어를 만들어낸 작가입니다.

스트리트 아트, 퍼포먼스, 인터랙티브 설치를 넘나드는

혼성적 스타일로, 현대 사회의 빠른 리듬과

즉각적인 감정의 충격을 동시에 담아냅니다.

"여기서 키스하세요",

"마음이 아플 땐 유리를 깨뜨려라"처럼

길 위의 낯선 문장 하나로 지나가던

사람의 발걸음을 멈추게 만드는 것,

그것이 그렉 고야의 방식입니다.

일상의 평범한 사물을 조각으로

탈바꿈시키는 작가 캠버 캐롤은

커피잔 모양의 테이블, 팬케이크 조각상 등

예술과 기능의 경계를 허무는 작품으로 알려져 있습니다.

디지털과 물리적 예술 형식 모두를 넘나드는

넓은 창작 스펙트럼을 가진 그는,

보는 이로 하여금 진짜 감정과 개인적 유대감을

불러일으키는 작품을 만드는 데 집중합니다.

단순한 인테리어 오브제를 넘어,

익숙한 것을 낯설게 바라보는 시선을 선물하는 작가입니다.

전시 정보 자세히 보기

https://blog.naver.com/arcomm/224256811122

서울 서초구에 위치한

예술의 전당 한가람디자인미술관에서는

전시 <페르난도 보테로: 형태의 미학>가 예정되어 있어요.

페르난도 보테로의 작품을 보면,

볼륨감 있고 통통한 화풍이

익숙하게 느껴지는 사람도 있고,

패러디의 원작 작품을 떠올리는

사람도 있을 것 같은데요,

유머러스하고도 따뜻한 이 화풍은

남미의 피카소라고도 불리는

작가 페르난도 보테로의 작품으로,

콜롬비아 출신의 그는

볼륨감 있는 모나리자 작품으로

특히 알려졌습니다.

이번 전시는 그의 회화, 드로잉, 조각 등

총 112점의 작품을 만나볼 수 있는데요,

2023년 작가가 작고한 후

로마에서 시작된 순회 전시는

바르셀로나, 바쿠를 거쳐 한국에 돌아왔는데요,

20세기 라틴아메리카 미술을 대표하는

거장의 작품을 만나볼 기회를 놓치지 마세요!

원작이 된 작품은

네덜란드 출신 작가 얀 반 에이크의

<아르놀피니 부부의 초상>인데요,

초기 르네상스를 이끌었던만큼

역사적 가치와 의미가 큰 작품을

통통하고 볼륨감 있는 인물들로 재구성한

그의 작품은 익숙한 명작을

전혀 다른 이미지로 재해석하고 있습니다.

소년 시절 투우 학교에 다녔던

작가는 투우를 중요한 영감의 원천으로

다양한 작품을 남겼는데요,

그에게 투우는 화려함과 긴장,

그리고 삶과 죽음이 공존하는

극적인 무대라고 합니다.

전시 정보 자세히 보기

https://blog.naver.com/arcomm/224255780950

서울 용산구에 위치한 아마도예술공간에서는

<제 13회 아마도애뉴얼날레_목하진행중>가 진행중이에요.

전시를 만들어가는 주체는 누구일까요?

무엇보다 작품을 제작하는 주체인 작가와

전시의 방향성을 구체화하는

기획자가 있을 것 같은데요,

오늘 소개할 전시

<제 13회-아마도애뉴얼날레_목하진행중>은

기획자-작가의 팀이 전시를 만들어가는 과정에서

내부적 협력과 교류로 시작하여

전시장 바깥의 맥락과 담화까지

담론장 내로 소환하려는 시도를

담고 있습니다.

공모를 통해 선정된

4인의 작가와 4인의 기획자 쌍은

공모를 준비하고 지원하는 처음의 순간부터

전시를 준비하고 마련하기까지의

긴 여정을 공유함으로써

공동이 여정이 무엇을 향해 왔고

무엇을 향할 것인가를 드러내는데요,

작가와 기획자라는 두 주체가 이루어가는

협력의 결과물와 과정이 공존하는

이번 전시, 한번 방문해 보면 어떨까요?

전시장의 지하실로 진입하면

머리가 없는 신체가

덩실덩실 춤을 추고

일렁이며 파괴되기도 하고

새롭게 생성되기도 하는데요,

우진 작가와 배진선 기획자는

디스코를 추듯이 변형되는 신체의

애니메이션 영상을 통해서

자유분방함과 폭력을 오가는

균열의 리듬을 표현합니다.

우리가 바라보는 현실과

영상 속의 이미지의 가장 큰 차이라면

바로 시점(Point of View)이 있는데요,

현실에서는 단 하나의 관점만을 가질 수 있지만

영상 속에서는 다양한 시점을 취하기 때문입니다.

이지윤 작가와 강다원 기획자는 여기에 주목하여

하나의 장소를 한 사람이 다중 시점에서 바라보는 것과

동일한 시공간에서 다중의 시점이 공존하는 것의

가능성을 탐색합니다.

전시 정보 자세히 보기

https://blog.naver.com/arcomm/224254641420

서울 종로구에 위치한 일민미술관에서는

<기.기.기(奇.己.氣): 동시대와 시행착오> 전시가 진행중이에요.

봄이 찾아온 거리의 풍경은

곳곳이 화사하게 피어난 동시에

겨우내 마른 풀과 줄기들이 뒤섞여 다소 혼란스러운데요,

오늘 소개할 전시는 변하는 계절의 복판에 서듯

동시대를 과거의 흔적과 미래의 약속 사이를

더듬어 나가는 시행착오로 바라보는 전시

<기.기.기(奇.己.氣): 동시대와 시행착오>입니다.

일제강점기의 폐허에서

언론사의 사옥으로 한번,

다시 미술관으로 또 한번

탈바꿈한 역사를 가진

일민미술관에서 열리는 이번 전시는

잔여물 위에 잔여물이 남고,

무엇도 사라지지 않고,

무엇도 완전히 새롭지 않은

동시대에 대하여 논하는데요,

기이함(奇), 자기와 몸(己), 그리고 분위기(氣)라는

세 가지 주제를 통해 살펴보면서

끝나지 않은 이야기와 남은 것들로 얼룩진

현실의 모퉁이를 맴돌며

출구를 찾아 헤매는 여정을 보여줍니다.

홍은주 작가는 기술을 인간의 욕망을

확대하는 돋보기로 바라보는데요,

욕망을 충족시키기 위한 현대의 기술은

반대로 그러한 욕망이

극도로 결핍되어 있음을 시사하는데요,

자기자신을 본뜬 인형이 자립하지 못한 채

퍼포머가 이끄는 대로 움직이는 과정을 기록하여

기술과 욕망의 양면성을 드러내고자 했다고 합니다.

퍼포먼스, 조각, 영상, 설치 등

광범위한 매체를 다루는 작가 아그네스 퀘스천마크는

트랜스 상태를 가로지르는 초월적인 존재의

소환 과정을 다루는데요,

이 작품에서 그는 수술 과정을 일련의 정치 행위로 바라보며

진단을 감시 체제로, 수선을 권위와 통제의 개입으로 해석합니다.

전시정보 자세히 보기 

https://blog.naver.com/arcomm/224248880423

서울 중구에 위치한 그라운드 시소에서는

전시 <맥스 시덴토프 개인전: Seriously Not Serious>가 진행중이에요.

맥스 시덴토프는 젠틀몬스터, 제니와 협업하며

이름을 알린 컨셉추얼 아티스트인데요,

유럽을 기반으로 활동하며

지루한 일상을 낯설게 비틀면서도

날카로운 유머를 작품 안에 담아냅니다.

수많은 글로벌 브랜드의 러브콜을 받으며

협업을 진행하기도 하는 작가이지만,

이번 전시는 아시아에서는 첫 대규모 개인전으로

조각, 설치, 영상, 사진을 넘나드는

그의 작업 세계 전반을

한 자리에서 소개하는 의미 깊은 자리입니다.

가볍기도 하고 우습기도 하지만,

한편으로는 묵직한 질문을 던지는

작가의 작품 세계를 탐험해보는 건 어떠세요?

인류가 사라지더라도

지구에 남을 존재는 누가 있을까요?

아마 바퀴벌레는 남아있을 것 같은데요,

인류가 사라진 지구에서 홀로 침대에 누워

종말을 알리는 신문을 읽고 있는 바퀴벌레를

구현한 작가의 독특한 상상력이

돋보이는 작품입니다.

미대 실습실 같은 풍경의 이 설치작품은

관람객도 마치 미술 수업을 참관하는

학생의 입장이 된 기분을 느끼게 해주는데요,

속옷과 양말만 입은 채 포즈를 취하는 인물은

실제 작가 본인을 3미터의 크기로 재현한

극사실 조각이라고 합니다.

전시정보 자세히 보기 

https://blog.naver.com/arcomm/224237225164

서울 종로구에 위치한 국립현대미술관 서울에서는

<데이미언 허스트: 진실은 없어 그러나 모든 것은 가능하지> 전시가 진행중이에요.

국립현대미술관이 또 한번

그 명성에 걸맞는 초대형 전시를 선보이는데요,

바로 <데이미언 허스트: 진실은 없어 그러나 모든 것은 가능하지>입니다!

약 30년 전,

실제 상어를 유리 수조 안에 넣어 전시한

작품 <살아있는 자의 마음 속 죽음의 물리적 불가능성>을 발표하며

현대미술계에 엄청난 충격을 준

데이미언 허스트는

영국의 대표적인 현대미술가 중 하나인데요,

이번 전시는 그의 초기작부터 최근작까지 조망하며

서양미술사의 흐름을 따르기도 하고

뒤집기도 하는 유쾌한 발상과,

삶과 죽음을 처절하게 직면하고

종교에서 과학으로 전이된 맹신을 보여주는 등

현대 사회를 작가만의 미학적 관점으로

탐구하고 표현하는 작품 세계를

온전히 느껴볼 수 있다고 합니다.

작품의 재료와 기나긴 제목으로 유명한

데이미언 허스트의 대표작인 이 작품은

포름알데히드 용액 속에 실제 상어를 넣어 설치한 작품인데요,

박제라는 방식으로 부패를 늦추고 영원히 보존하려는 시도는

인간이 가진 죽음에 대한 모호한 감각과

불멸에 대한 욕망을 담아냅니다.

백금과 다이아몬드로 제작한 이 작품은

8601개의 다이아몬드가 사용되었는데요,

영원함과 아름다움의 상징인 보석이

죽음을 의미하는 해골과 조합되어

인간의 끝없는 욕망과 삶의 무상함이라는

주제를 성찰하는 무대를 만들어줍니다.

전시정보 자세히 보기 https://blog.naver.com/arcomm/224230424758

어린 시절을 떠올리면,

어떤 감정이 가장 먼저 기억나나요?

오늘 소개할 전시는

몸 어딘가에 남아 있는 유년의 감각을

소재로 한 임하리 작가의 개인전

<구루구루 GURUGURU>입니다.

작가의 작품 속에 항상 등장하는

보드랍고 폭신한 몸을 가진 ‘털난빵’은

작가가 임신, 출산, 육아의 시간을 지나며

마주한 이름 붙이기 어려운,

잊혀졌지만 몸 어딘가에 남아 있는

유년의 감각을 형상화한 것인데요,

피아노를 치고, 작은 생명과 어울리고,

설명하기 어려운 장면 속을 유영하는 모습을 통해

낯섦과 친근함을 느낄 수 있습니다.

전시의 제목인 <구루구루>는

경지에 오른 자를 뜻하는 단어

구루(guru)의 개념에서 가져왔는데요,

놀이의 감각 자체를 온전히 체화한 상태로 확장해,

쌓기, 덧붙이기, 굴리기, 흩어뜨리기 같은 단순한 행위를

환기하여 잃어버린 몸의 감각을 깨웁니다.

마치 꿈 속의 한 장면같은

털난빵의 세상은 익숙하면서도

묘한 이질감을 가지고 있는데요,

의도적으로 흐릿하게 표현된 이미지를 통해

실재와 상상 사이를 자유롭게 오가고,

보라, 청록, 분홍, 주황 등 환상적인 색감이

익숙한 듯 낯선 정서를 드러냅니다.

작가는 털난빵의 이야기를 통해

어린 시절 하던 다양한 행위,

쌓기, 덧붙이기, 굴리기, 흩어뜨리기와 같은

단순한 행위를 즐기던 시간이 남긴

흔적을 쫓아 유년의 감각을 되살리는데요,

일상의 풍경 속에 녹아든 이러한

비가시적인 정서를 다시 가시적인 장면으로

전환합니다.

전시 정보 자세히 보기

https://blog.naver.com/arcomm/224272520251

오늘 소개할 전시는

이제는 너무 쉬워진 것만 같은

‘관계를 맺는 법’에 대한 전시인데요,

바로 세화미술관에서 열리고 있는

단체전 <투명한 손, 움직이는 색>입니다.

김예솔, 부지현, 박혜인, 이원우,

이진형, 정만영 작가가 참여한 이번 전시는

회화, 조각, 사운드 설치, 공간 설치 등

다양한 작품으로 채워진 전시장은

관람객과의 상호작용을 통해

서로 다른 두 존재가 만나고 대화하는

방법에 대해 새로운 시각을 제시합니다.

게다가 다양한 워크숍과

전시연계프로그램 또한 준비되어 있는데요,

이가 나가거나 깨진 도자를 붙이는

공예인 칸이킨츠기 워크숍과

나만의 손-종이 모음집인

‘진(zine)’을 만드는 워크숍부터

전자음악가 듀오 둠캣의 라이브 퍼포먼스와

현대무용 단체 LDP의 퍼포먼스 <투영되는 몸>까지,

다양한 프로그램을 통해 입체적인 전시 경험을 만들 수 있습니다.

이번 전시는 다양한 매체의 작품 뿐 아니라

체험부터 공연까지 다양한 워크숍이 준비되어 있는데요,

그 중에서도 칸이킨츠기 워크숍은

조각난 도자기를 접합해 복원하여1

다시 일상에서 사용할 수 있도록 재생시키는

과정을 경험해볼 수 있습니다.

또 하나 색다른 경험을 해보고 싶다면

참여 작가인 김예솔 작가의 워크숍

<어쩌면 삐뚤게 세상에 낙서하기>에 참여할 수 있는데요,

직접 그린 드로잉을 만화경에 넣어

들여다보는 놀이하는 행위를 통해

변형된 세상을 바라보는 시간을

가질 수 있습니다.

전시 정보 자세히 보기

https://blog.naver.com/arcomm/224270606452

우리의 삶은 어쩌면

수많은 틈 사이를 오가는

여정일지도 모릅니다.

오늘 소개할 전시는

개관 1주년을 맞은 더 갤러리 호수의

2026년 봄 기획전 <틈을 걷다>인데요,

현실과 가상, 기억과 꿈,

도시와 자연 사이,

우리가 미처 이름 붙이지 못했던

그 '사이'를 두 작가의 시선으로

탐색하는 전시입니다.

작품 사이를 직접 거닐며

경험하도록 구성된 이번 전시는

방문하는 시간과 날씨에 따라

매번 다른 감각과 풍경을

선사하는데요,

예술과 사람 사이를

자연스럽게 잇는

틈으로서의 공간을 산책하며

잠시 사유의 시간을 가져보는 것은 어떨까요?

한쪽 벽면이 유리창으로된

전시장 안에 자리한 홀로그램 작품은

시시각각 달라지는 풍경을

전시장 안에 펼쳐놓는데요,

이 작품을 통해 작가는

기억이 고정된 이미지가 아니라

빛과 시선의 각도에 따라

끊임없이 새롭게 구성된다는 것을

보여줍니다. 

나무와 피자 세이버라는

지극히 익숙한 사물을

낯선 조형적 배열로 전환해

아름다우면서도 본 적 없는

새로운 무언가를 만들어낸 작가는

우리가 그동안 무심코 지나쳤던

시간과 경험의 층위를 드러냅니다. 

전시 정보 자세히 보기

https://blog.naver.com/arcomm/224269461158

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오늘 소개할 전시는

동양화와 사진이라는

두 장르를 다룬 전시인데요,

바로 학고재 아트센터에서 열린

신정호 작가의 첫 개인전 <COLOPHON>입니다.

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전시의 타이틀인 colophon(콜로폰)은

동아시아 회화의 전통 안에서

그림에 덧붙여지는 글 ‘제발(題跋)’과

멸종 위기 곤충인 사슴벌레속의 이름이라는

두 의미를 가지고 있는데요,

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이는 동양화와 사진은 모두

동시대미술에서 점차 주변화되고 있는

매체임을 환기합니다.

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작가에게 곤충은 자연과 생명을

상징하는 소재가 아닌,

외피와 질감, 구조와 확대된 질서를

드러내는 대상으로 다루는데요,

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포커스 스태킹 기법을 사용해 촬영한

곤충 이미지를 정밀하게 합성하고,

이것을 다시 한지 위에 여러 번 인쇄하면서

잉크와 유기적으로 결합한 한지는

색의 농도와 깊이를 바꾸고 새로운 텍스처를 더해

사진 이미지의 감각을 다른 차원으로 이동시킵니다.

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전시의 타이틀인 콜로폰이 일컫는

사슴벌레속 곤충들은 멸종위기에 처한

사라져가는 존재이기도 한데요,

이 특성은 마치 점차 주변화되어가는

동양화와 사진의 위상과도

비슷하게 느껴집니다.

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콜로폰의 또다른 의미는

동아시아 회화에서 그림 옆에 덧붙는 글,

제발(題跋)을 의미하기도 하는데요,

작가는 작품 설명 역할을 하는 제발에서

조형성과 리듬만을 유지한 채 변용하여

화면의 중심 요소로 작동합니다.

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전시 정보 자세히 보기

https://blog.naver.com/arcomm/224264881113

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